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游记

姚泽芊作品:舞台摄影漫论

时间:2014-02-26 08:29:09 来源:本站编辑整理 编辑:本栏目管理 点击量:1091

文、图:姚泽芊

从事摄影的人都知道,舞台摄影是一门专门的学问,其中要涉及器材的配置和使用、对不同的舞台艺术的特点和风格的了解,以及一些专门的拍摄技巧等等,比较复杂。但是,深入钻研这门学问,却也是一件趣味无穷的事。人说:舞台小社会,社会大舞台,舞台艺术是人生、自然、社会的浓缩和结晶。因而,只要进入剧场,万里江山和人生百态在咫尺之间就会被你尽收眼底。在这儿,不用受跋涉、奔波之苦,舞台上自有情境的美光美色和情绪的大喜大悲,在进行艺术欣赏的同时,可以发挥自己多年积累的文化和艺术修养,用镜头把舞台上的人性美、情境美尽情地捕捉下来,表现出来,进行艺术上的再创造,这将是一件多么迷人和惬意的事。这里,笔者从自己的感受出发,从以下几个方面谈一谈有关舞台摄影的一些问题:



A,谈一谈抓拍的技巧


拍舞台,牵涉的技巧问题很多,测光方式的选择、白平衡的设定等等,但归根结底,最根本、最重要的,还是一个抓拍的问题。


舞台艺术是一门动态的艺术,其中包括形体的动(如舞蹈等)、情绪的动(如戏剧等)。舞台摄影最重要的,就是要捕捉舞台艺术中所表现出来的一种“动态美”。因而,拍舞台艺术照,只能是现场的“抓拍”,而绝不能“摆拍”。摆拍出来的舞台人物和场面再清晰,再精美,也只是一种“化妆照”,有“形”而无“神”,这种化妆照与舞台摄影艺术无缘,至多只能是宣传橱窗里所用的东西。


舞台摄影到底应当达到一个什么样的标准?这是一个见仁见智的问题,艺术创造永无一定之规。笔者就自己的舞台摄影实践而言,总结出如下四个层面的标准,层层递进,直至舞台摄影艺术的最高境界。


其一为“像”,就是说舞台摄影仍然是摄影的一个门类,首先要达到一般“照相”的标准,聚焦要准确,曝光要适度,构图要舒服。达到这一步,才能谈得上其他。


其二为“形”,这是一个最基本的抓拍的标准。拍动态的人物,要抓准人物的形象,舞台上就是要抓住人物最典型、最完整的瞬间形象,如戏曲人物的“亮相”。其他艺术,如话剧、音乐、舞蹈等,虽无亮相,也有类似亮相的短暂停顿瞬间,这正是抓拍的最好时机。因为在这个时候,不但是艺术形象最完整的时候,也是由动态变为短暂静态的时候,容易拍出高质量、清晰度好的影像。抓住了这个时机,就会有事半功倍的效果。


其三为“神”,舞台摄影不可能把舞台上的人生故事通篇复述,但是要抓住最有感染力的瞬间。这种最有感染力的瞬间,就是情绪上的大喜大悲。因为情绪,才有了神态和动作。这正如《诗经·大序》中所阐述的:言之不足而嗟叹之;嗟叹之不足而咏歌之,咏歌之不足而手之舞之足之蹈之也。这一段论述,常常被看作是中国的艺术起源的经典之说。舞台摄影者能捕捉到这样的瞬间,就已经完成了一幅比较成功的作品。


其四为“韵”,拍出舞台的韵味来,这是舞台摄影艺术的最高境界。怎样拍出舞台的韵味?这就要求摄影者要有比较高的文化修养和舞台艺术修养,立足舞台又不拘泥于舞台,源于舞台还要高于舞台,拍出的舞台形象才能神形兼备。正如一些造诣很高的美术家,如叶浅予、李克瑜等所画的舞台速写画,寥寥几笔,却似呼之欲出。


“韵”是什么?应当说就是运动的特定轨迹,就是运动过程中的特殊的动律和味道,就是演员在表演时特有的一种“范儿”,一种在动作即将完成又没有完成时的“劲头”。这种东西,只有熟悉舞台表演规律的人才能体会到,才能抓得到。


表现这种“韵”,有时有一种特定的要求,就是神似高于形似。有时为了表现“动感”,有意使用“慢门”,处理得片子“虚实结合”,以虚衬实。有时即使器材跟不上,片子全虚,但是色彩、意境到了,“韵味”到了,也仍是一幅上乘的作品。如有些表现戏剧“水袖”的舞台照,演员影影绰绰,但却见舞动的长袖令人眼花缭乱,给人以意境的美感,便仍是一幅优秀的作品。


以上四个层次,是一种理论上的高度,不一定人人都能达到,即使十分成熟的摄影者,也不一定每幅作品都能达到。但是,只有有了理论上的认识,心里有了这种高度,才有可能拍出优秀的作品来。



B,谈一谈修养的问题


有这样一种说法:摄影是所有艺术中惟一一个不需要严格基本功训练的门类。搞摄影,不需要画家的笔墨和素描的基本功,不需要作家文字表现的基本功,不需要歌唱家发声用气的基本功,更不需要舞台艺术家身段、语言训练的基本功。从没接触过摄影的人,甚至一个文盲,或许都能拍出不错的照片来。在摄影器材快速发展,实现高度自动化的今天更是如此。但是,越是这样没有门槛的艺术,要搞好就越难。因为搞这种东西,上手拼的就是文化,就是修养。舞台艺术摄影,在这方面体现得更为明显。


很难想象,一个一点不懂舞台艺术的人能搞舞台艺术摄影,一个不被舞台艺术所感动的人能够拍摄出优秀的舞台艺术作品。正如一切艺术创作,都要熟悉自己的表现对象一样,要搞舞台摄影创作,也应该充分地熟悉舞台艺术。而这种熟悉的前提,就是热爱。


舞台艺术是一门最古老的艺术,只要是热爱生活的人,就不可能不被舞台上所表现的人情人性美所打动。古今中外人皆如此,只不过由于所处的环境差异,文化根基不同,熟悉的表现方式不同,欧洲人迷恋芭蕾,中国人钟情秧歌;北京人爱听京戏,陕西人爱看秦腔,如此而已。


从事舞台艺术摄影,只有对你所要表现的东西有充分的热爱,充分的熟悉,充分的理解,并为其所打动,才能充分投入其中,拍出有激情、有感染力的片子。因而,初入此行,都应当从自己最熟悉的那个领域做起。熟悉秦腔,你就去拍生、旦、净、丑各个行当做派,去拍你熟悉的那些古老故事中的真善美的人情的显现;熟悉话剧,你就去拍舞台上那些生动鲜活的人物和故事,展现他们的精神风貌;熟悉舞蹈,你就去拍那些多姿多彩的舞蹈韵律和令人瞠目的高难技巧。这样,你在拍摄时就会心中有数,就能够对出彩的地方早作准备,调整器材,从容抓拍。这就有可能较多地拍出成功的作品。


这里还有一点需要强调的,就是舞台美术。舞台的灯光、布景、服装,是舞台艺术的重要方面,是舞台人物所处的特定环境,它们和人物融为一体,对营造气氛,塑造人物,都有着至关重要的作用,一定不能忽略。同一场演出、同一个演员的表演,在不同的灯光条件下会截然不同,因此,只要有条件,我们还是应当多对一些高水平的表演团体、在剧场里的正规演出进行拍摄。


从事舞台艺术摄影,从自己熟悉的一个点突破,涉及的领域自然也会逐步加宽。拍摄舞台艺术,需要一定的舞台艺术修养来支持。反之,在拍摄、欣赏、品味的同时,你的舞台艺术修养也会随之不断拓宽、不断提高。



C,谈一谈器材的配置和使用


舞台摄影是一种在特殊光线下的动态摄影,因而对器材就有着一定的要求。


首先,你得配置一部数码单反相机。因为抓拍需要一定的反应速度。要连续抓拍,家用消费级别的相机肯定是跟不上的。


其次,你得配置一个大光圈的长焦镜头,类似于体育赛场上常见的小型长焦“大炮”。因为舞台片拍摄的是动态的人物,距离又远,舞台光线往往又是明暗变化多端,只有用大光圈的长焦镜头,开最大光圈,曝光速度快,才不至于拍虚拍花。这里顺带说一点,舞台摄影绝对不能用闪光灯。一是距离远用了不起作用,更重要的是舞台灯光是舞台造型设计的重要组成部分,闪光灯的大白光一闪,艺术的效果和氛围将被破坏殆尽。


再次,为了架稳这门“大炮”,你得准备一个三脚架或独脚架。在观众密集的剧场里,用独脚架还是方便一些。


器材是干活的工具,要出好的作品,最关键的不在镜头,而在镜头后面你的这颗脑袋。因而在初介入此行之时,不必追求器材的高档。单反相机用入门级的就行。大光圈的长焦镜头用一般的70-200毫米、恒定2.8光圈的就行。二者均几千元就可搞定。再要为省钱,镜头可以在二手市场上淘旧货。光学产品不是数码产品,淘汰率高,只要镜片无划伤,无霉变,数年、十数年的东西都还会表现出优秀的光学性能。当然,如果你的经济条件很好,一次性地配置成高档器材,那也无可厚非,它会成为你的得力助手,帮助你拍出优秀的作品。


有了这样最基本的准备,你就可以雄心勃勃地踏入舞台摄影的门槛,只要入了门,你的雄厚的艺术和生活积淀就会像一双强有力的翅膀,带着你展翅高飞。
























(作者:中国文化交流网副主编、陕西省旅游摄影协会副会长)


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